Durante ArtPhotoBCN 2026 presentamos el proyecto de Eva Casanueva: “Intento de brillar: Breve ensayo sobre el parecer exterior y el padecer interior”, una investigación visual desarrollada durante más de diez años en torno a la reconstrucción de la identidad, el duelo, la enfermedad y las potencias performativas de la imagen.
La obra de Eva Casanueva propone una mirada experimental al medio fotográfico. Su lenguaje fantasea con una posible dimensión mística de la imagen, entendida como talismán, oráculo o maleficio, y utiliza la fotografía como herramienta de mediación de conflictos emocionales.

En palabras de la propia artista: “mi obra es la afirmación de una feminidad concreta, compleja, vulnerable y fuerte que reclama su derecho al dolor, al placer, al miedo y al descaro.”

“Intento de brillar” busca un territorio habitable entre lo que se padece y lo que aparece: un espacio donde la imagen no solo acompaña la incertidumbre y el sufrimiento, sino que también actúa como afirmación de una identidad concreta, vulnerable y resistente.

Eva Casanueva (Madrid, 1983). Durante más de 15 años trabajó en EFTI, especializándose los últimos años en la Comunicación y la Gestión Cultural. También ha sido Coordinadora de Creadores de Imágenes en Madrid. Actualmente imparte sus propios talleres bajo el nombre de La Guarda y ha entrado a formar parte de la plataforma Cómo Ser Fotógrafa. Este año Eva Casanueva ha sido seleccionada en los Visionados de ArtPhotoBcn y Revela’t. También estará presente en el Festival Libros Mutantes de La Casa Encendida. Ha expuesto en La Kursala, en galería Cero y festivales como PhotoAlicante, además de participar en diferentes muestras en Instituciones como el Círculo de Bellas Artes, el Museo Nacional de Antropología, el Centro Cultural de España en Buenos Aires o La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. 

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Le Mur Photo Gallery se complace en anunciar la inauguración de “To Build a Book«, la nueva exposición del fotógrafo Carlos Chavarría. La exposición se inaugura el jueves 28 noviembre a las 19:00 y permanecerá disponible al público hasta el sábado, 11 enero 2025.

En esta exposición, Chavarría ofrece una mirada al proceso creativo detrás de la creación del fotolibro “To Build an Island«, explorando las etapas de concepción, desarrollo y edición que dieron forma al proyecto. La muestra se configura como una experiencia inmersiva, donde los visitantes podrán seguir el recorrido del artista desde los primeros bocetos hasta la secuencia narrativa final.

La galería se divide en dos espacios principales. En la planta superior, se exhiben imágenes del “Sketchbook VII5”, un cuaderno que sirvió como guía y ensayo visual del proyecto. Estas fotografías evocan la idea de la «isla-mito» y cuestionan su representación en la cultura popular a través de elementos relacionados con la exploración marítima. La instalación de la planta inferior refleja el proceso de edición del trabajo. Una versión ampliada de un moodboard donde las imágenes encontradas de Fannete Island, que inspiraron el proyecto, funcionan como base sobre la que empezar a construir la secuencia narrativa. Sobre estas imágenes en blanco y negro, se superponen tanto las imágenes en color tomadas por el artista en Treasure Island como otros materiales y elementos pertenecientes al proceso de edición e investigación previos a la creación del libro.

Sobre el artista

Carlos Chavarría (Madrid, 1985) es un fotógrafo reconocido internacionalmente que combina la fotografía vernácula con un enfoque artístico profundamente reflexivo. Tras cursar el Máster PHE en Fotografía y Proyectos Artísticos (2010), desarrolló su carrera en San Francisco, donde colaboró con instituciones como First Exposures y PIER 24 y fue profesor invitado en Red Hook Labs y la Universidad de Stanford. Su trabajo ha sido expuesto en espacios como SF Camerawork, The Centre for Fine Art Photography o Magenta Foundation. El libro “To Build an Island”, presentado en el marco de esta exposición, fue destacado como uno de los mejores libros de fotografía del año en PhotoEspaña 2024.

Actualmente, Chavarría reside en Madrid, donde alterna su práctica artística con encargos editoriales para publicaciones como “The New York Times Magazine” y “Le Monde”

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Inauguración: 17 octubre a las 19:00

hasta 16 de noviembre

Mucho antes de que Brooke Smith apareciera como Catherine Martin en la icónica película El silencio de los corderos, era una de las jóvenes del Hardcore punk que mataba el tiempo en el Lower East Side de Manhattan. Habiendo crecido en el condado de Rockland, al norte de la ciudad de Nueva York, Brooke siempre se sintió forastera. En el Lower East Side, Alphabet City y el parque Tompkins Square terminaría encontrando a su familia. Y lo mejor de todo es que siempre llevaba consigo su confiable Minolta.

Estas fotografías documentan la vida cotidiana de los amigos y conocidos de Brooke mientras forjan una comunidad en torno a la música Hardcore. Más tarde, Brooke triunfaría en el mundo del cine, protagonizando muchas películas y programas de televisión. Pero nunca olvidó sus raíces y a las personas a las que aún considera y llama su familia. Estamos ante la primera exposición fotográfica de Brooke en Europa. Actualmente, está desarrollando una serie de televisión ambientada en la escena punk de Nueva York en los años 80.

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Dirección: Calle Amaniel, 20, Madrid (Metro Noviciado)

El próximo jueves, 26 de septiembre, Santiago Farrell (@santiago.farrell) va a presentar su nuevo fotolibro «BASAMENTO» y una instalación efímera de algunas obras fotográficas de este proyecto.

Basamento es aquello que se coloca debajo de la caña de la columna y que comprende la basa y el pedestal (RAE). En otras palabras: lo que sostiene, apoya, cimienta o fundamenta un objeto o una idea.

Cuando hablamos de poder la acción es doble. El Poder (esa abstracción concreta que se siente en nuestros cuerpos y almas, que determina nuestra agencia) se manifiesta tanto en los materiales sobre los que se representa como en la forma que adoptan estos materiales.

La motivación que sustenta este fotolibro es principalmente preguntar qué hacemos con la Naturaleza cuando la vemos unilateralmente como fuente de recursos. Pueden los bloques de granito, las láminas de suelo o los pedestales, volver a formar parte de la roca primigenia? Hay naturaleza después de la cultura? Qué sucede con las canteras? Quién elige los materiales sobre los que se erigen nuestras ciudades? El libro no busca contestar, sino activar esas preguntas y otras que se pueden desplegar con la interacción de sus páginas e imágenes.

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Desde el próximo sábado 1 de junio, Le Mur Photo Gallery presentará la muestra “En Ningún Lugar” de la fotógrafa venezolana como parte del Festival OFF de PHotoESPAÑA 2024. Esta serie fotográfica de Ana Ibarra Bernal (Caracas, 1963) desarrolla una obra de exploración sobre el imaginario de una Venezuela afectada por la fuerte crisis económica y el éxodo migratorio. Las fotografías develan la erosión del paso del tiempo que ha desatado el abandono y, con mucha sensibilidad, destacan el deterioro y la soledad.

«Al observar ciertos paisajes, los ojos se fijan y el cuerpo se paraliza. Solo la fotografía puede rescatarnos temporalmente de esa hipnosis y alienación. ¿Qué hace que una imagen nos conmueva? ¿Qué elemento puede cambiarse o sustraerse para que pase de ser medianamente interesante a crear una conexión emocional, a significar algo?

Este proyecto va más allá de la mera búsqueda estética; representa una exploración profunda de la intersección entre la belleza y la decadencia en los espacios abandonados. Cada imagen es meticulosamente deconstruida a través de una cuadrícula, desafiando la percepción convencional y revelando significados ocultos. La selección cuidadosa de qué partes sustraer de cada fotografía no es arbitraria; es una invitación a la audiencia a contemplar la ausencia y a reflexionar sobre la historia y el contexto de estos lugares olvidados, de lo que fue, no es y no será. A través de esta técnica, no solo se presenta una estética visualmente atractiva, sino que se plantea una interrogante sobre la naturaleza efímera de la belleza y la memoria.

Al fusionar la fotografía con el arte de la deconstrucción, el objetivo de Ana Ibarra es provocar una respuesta emocional y conceptual en el espectador, desafiando percepciones preestablecidas y enriqueciendo así la experiencia artística.»

Catálogo de obras disponibles

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En esta ocasión os presentamos la nueva exposición “Materia Prima” del fotógrafo Pavel Bukreev (Moscú, 1992). Es su primera exposición individual en España, se compone de 9 fotografías de gran formato, y 18 polaroids intervenidas. Estas imágenes abstractas, frutos del azar artístico, crean un relato entorno a la experimentación fotográfica. 

“Al fotografiar con una cámara instax, me di cuenta de que durante la fase de revelado, la película es muy susceptible al contacto físico. En el momento de creación de la fotografía, empecé a manipularla, con la curiosidad de un niño que juega con el fuego y el agua. Los reactivos del interior del film, al encontrarse con estos elementos, crean un patrón de diferentes formas en la superficie, y revelan colores inesperados.

Entonces me fascinó pensar de qué está formada la imagen y mirar dentro de las películas. Dividiéndolas en dos, descubrí cómo las metamorfosis que se producían en el anverso y en el interior de la imagen quedaban impresas aleatoriamente con tinta en la placa posterior. Luego, queriendo ampliar esta experiencia de experimentación cinematográfica, apliqué diferentes pigmentos y pinturas. Estos, extendiéndose sobre el grabado fotográfico, formaron sus propios patrones visuales, y dieron una dimensión adicional a la estructura. 

A través del proceso de la creatividad libre, busqué escapar de la narrativa y las formas predeterminadas, construyendo mi relación sensorial con este entorno. El juego con el material se percibe en esta serie como una forma de revelar la «vida» interior de un objeto determinado. En su tamaño original, el contenido de estos grabados no es totalmente visible para el ojo humano, lo que pone de relieve la esencia de las cosas que a menudo queda oculta. El uso de la tecnología de escaneado y la impresión en gran formato de las imágenes se entrecruzan con la idea de la naturaleza revelada, similar a la visión de los detalles a través de un microscopio. En el centro de esta obra se encuentra el impulso infantil y el intrigante interés por la investigación táctil del material fotográfico.”

(Statement de Pavel Bukreev)

Pavel Bukreev es un fotógrafo emergente, que desarrolla su práctica artística en torno a la experimentación sobre los procesos de creación de la fotografía analógica. Se graduó de Rodchenko School of Photography and Multimedia en Moscú (2018). Ha participado en exposiciones colectivas en Moscú y Belgrado (Ostavinska Gallery, 2019). Su primer fotolibro “Nibiru” (2019) fue seleccionado y expuesto en Rencontres d’Arles Photobook Exhibition, seleccionado entre los ganadores en Belfast Photo Festival, y expuesto en Athens Photo Festival Photobook Exhibition. Actualmente vive y trabaja en Barcelona.

Lista de precios

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Te traemos el trabajo del que, sin lugar a dudas, es uno de los fotógrafos más importantes, influyentes y representativos de la historia del skateboarding. Su trabajo está ya llamado a ser inmortal e influir en las nuevas generaciones.

Su catálogo visual es su legado. Basten unas palabras del propio Brittain para entender lo que ha supuesto y supone el mundo del skateboarding en su vida: “Llevo fotografiando monopatines desde 1979 hasta hoy y no veo el final a la vista”. Grant Brittain empezó a hacer fotos en el Skate Ranch de Del Mar en 1979, mientras trabajaba allí como obrero y, más tarde, como encargado de la tienda profesional. Había visto pasar por el skatepark a los mejores fotógrafos de los años 70.

Después de tomar prestada la cámara de su compañero de piso en febrero de 1979, se enganchó a la fotografía. Perfeccionó sus habilidades fotografiando a amigos patinando durante los años siguientes. En 1983 ayudó a fundar la revista Transworld Skateboarding Magazine, y muchas de sus fotos aparecieron en las portadas de TWS durante sus 20 años como fotógrafo jefe y editor fotográfico. Sus trabajos aparecieron en más de 60 portadas durante ese tiempo.

Sus fotos de skate han aparecido en revistas, libros y exposiciones fotográficas de todo el mundo. Quien asista podrá asistir en primera persona a un repaso por la historia del monopatín. Las fotografías están tomadas por alguien considerado, a día de hoy, como un dios dentro de la fotografía de skate. Por eso nos emociona tanto haber podido dar forma a esta muestra y nos alegra tanto poder contártelo.

No te la pierdas porque verás fotografías que te pondrán la piel de gallina. Para los apasionados de este mundo que hemos podido tenerlas delante, ha sido como cuando vas a un museo famoso a ver la obra de un pintor de renombre. Está ahí delante tuya, ese momento histórico que captó J. Grant Brittain  con su cámara, y tú puedes tocarlo, puedes tocar al skater, la rampa, puedes acariciar al pasado reciente y su magia.

Hasta 23 de diciembre 2023
Calle Amaniel, 20
M-V 16:30 – 20:30
S. 12-15 16-20

La entrada J. Grant Brittain «Casi 40 años de patín a través de su lente aparece primero en Le Mur Gallery.

El título, tomado del poema de Walt Whitman “Canto a mí mismo” nos introduce en los proyectos de dos mujeres artistas que utilizan la herramienta fotográfica para multiplicar su cuerpo, descomponerlo, enmascararlo y reproducirlo sin límites preconcebidos.
El propósito es indagar en el yo, en sus debilidades y contradicciones, pero también en su historia y capacidad de hibridación. Convertirse en otra, en mezcla, en muchas. Flexibilizar los bordes y reinventarse.

La identidad se manifiesta en el presente continuo arroyada por la inmediatez de la cotidianidad, por eso es necesario pararse de vez en cuando, ver sus variadas dimensiones y cuestionar la coherencia entre ellas. Ana Matey e Irene Zottola emprenden esta tarea desde la experimentación con antiguas técnicas fotográficas (Van Dyke, cianotipia, quimigrama, fotograma) que implican un procedimiento de ensayo y error prolongado y la inclusión del factor sorpresa en los resultados. La investigación matérica y procesual en las imágenes obtiene su correspondencia reflexiva en la búsqueda identitaria: los tiempos lentos y caminos fortuitos revelan facetas y matices del yo desconocidos hasta el momento. De alguna manera, actúan como un espejo de la realidad interna que amplía su alcance y evidencia su polimorfismo. 

En la serie Evolución: dar vueltas hacia afuera, Ana Matey se comprende a partir de un conjunto de elementos que se combinan para dar lugar a seres híbridos cercanos a la ficción. Su modus operandi consiste en largos periodos caminando y recolectando de forma casi obsesiva. Al principio recopila restos orgánicos de pétalos y flores caídas rescatadas de tres continentes.
Entre las localizaciones se encuentran Marruecos, México, Puerto Rico, Paraguay, Brasil y distintos países de Europa. Con el tiempo introduce el cuerpo humano a través de sus propias radiografías fragmentadas y, finalmente, añade residuos tecnológicos, desde interiores de teclados hasta ratones de ordenador. Fiel al discurso que impregna toda su obra, busca el equilibrio entre lo natural y lo artificial mediante procesos no invasivos.
El método cuestiona la fotografía en sí misma al no haber utilizado cámara en ningún caso. Las imágenes se obtienen a partir de quimigramas y fotogramas, revelados con las técnicas de la cianotipia y Van Dyke, en los que dibuja con los químicos y aporta las texturas de los distintos pétalos, plantas y placas médicas. La experiencia del recorrido en la memoria y el cuerpo se traduce en impresiones sensoriales que se trasladan a los objetos configurando posibles capas del ser.

La concatenación de gestos corporales similares, mostrados a una distancia mínima, es la clave del proyecto de Irene Zottola Nadie es visible sobre la tierra. El título se corresponde con un verso del poema El abandono de la argentina Alejandra Pizarnik y alude a la fragilidad que nos define como individuos apenas perceptibles en la inmensidad del espacio tiempo. En resonancia con uno de los versos, los autorretratos de Zottola escenifican un “abandono en suspenso” materializado a través de la delicadeza y la transparencia del papel japonés.
En las imágenes, la artista nos muestra diferentes secuencias de su yo en un ejercicio experimental e introspectivo que desemboca en la repetición dinámica de su figura. Zottola se expande y contrae, se deja caer, avanza en círculos, se cruza con su doble, se desvanece y emerge con fuerza. Abre y cierra el telón de la subjetividad.
Es luz y sombra, líder y seguidora, una y todas. Su desnudez enfatiza el aspecto vulnerable del cuerpo expuesto a la arbitrariedad vital de los habitantes del mundo. En resonancia conceptual con el discurso, las copias están hechas a mano mediante el procedimiento fotográfico monocromo de la cianotipia, usando sustancias como el café y el té en el virado para aportarles un aspecto terroso. La artista juega con pliegues y superposiciones para acentuar el sentido cinético y fusionar los sedimentos de su existencia en una sola piel.

Texto de Nerea Ubieto

Ana Matey

Anta Matey (Madrid, 1978) es artista visual, performer, fotógrafa y dinamizadora cultural independiente. Estudia Comunicación Audiovisual, Imagen, Fotografía y danza Butoh. A destacar los talleres realizados con los artistas Isidoro Valcárcel Medina, Bartolomé Ferrando, Wade Matthews, Masaki Iwana, Groupe du Vent, Nieves Correa, Concha Jerez y José Iges.

Su carrera profesional comienza en el 2001 con su primera exposición individual y desde el 2006 se dedica intensamente al arte de acción en vivo. Su obra se centra en el arte de acción mostrándose tanto en vivo, como a través de distintos medios como son el libro de artista, la fotografía, instalación, vídeo y dibujo. 

Su obra ha sido expuesta en museos, galerías, teatros y espacios alternativos, tanto a nivel nacional como internacional, por casi toda España, por Europa en Portugal, Inglaterra, Irlanda, Francia, Italia, Alemania, Hungría, Croacia, Bosnia, Holanda, Polonia, Noruega y Finlandia, México, Republica Dominicana, Canadá, Marruecos, Indonesia y Japón. A destacar en el Museo Guggenheim (Bilbao), Matadero Madrid, Museo Reina Sofía (Madrid), CentroCentro (Madrid), Centro Conde Duque (Madrid), Centro de Arte José Guerrero (Granada), Centro de Arte La Regenta (Las Palmas), Museo Santa Cruz (Toledo), “Cuerpo-Poder” Pasaje de Fuencarral (Madrid), FADO (Toronto), Galería RATS (Montreal), Instituto Cervantes (Berlin), Teatro Universum (Helsinki), Galería ANX (Oslo), Galería Catalist Art (Belfast), Galería Sesama (Yogyakarta/Indonesia), Centro de Arte Moderno (Tetuán), Museo Verbum (Vigo), Museo MACA (Alicante), Galería Kulturpalast (Berlin), Museo Vostell Malpartida (Cáceres), etc.

Cofundadora de ELCarromato entre el 2006 y 2010, colectivo de fotógrafos y espacio multidisciplinar que existió durante cinco años en el Barrio de las Letras en Madrid. Durante esos años se gestó ARTóN junto con Paco Nogales, un encuentro mensual dedicado a la práctica, promoción, investigación y documentación del arte de acción que perdura hasta el año 2014. En el 2012 cofunda EXCHANGE Live Art proyecto de investigación y creación colectiva junto con la artista Isabel León y MATSUcreación (2012/Actual) su casa-taller y espacio abierto al encuentro entre arte y naturaleza a través de laboratorios y distintas actividades.

Ana Matey es invitada a participar en mesas redondas, charlas y presentaciones de su trabajo de manera periódica; las últimas en CentroCentro durante Feminis-Arte IV, la Casa de las Conchas en Salamanca, Matadero Madrid, la Universidad de Bellas Artes y Espacio b en Madrid; en el Museo de Arte Contemporáneo MACA en Alicante, entre otras.

Desde el 2010 su obra es apoyada por becas y proyectos de residencia, a destacar la EEA de la Embajada de Noruega en España, la Fundación Kone en FinlandiaFADO en Canadá.

Irene Zottola

Irene Zottola (Madrid, 1986) como educadora social, utiliza la imagen como herramienta educativa con colectivos en situación de vulnerabilidad. Como creadora, explora de forma autodidacta los límites de la fotografía analógica donde la naturaleza, memoria e identidad están presentes en sus imágenes, de carácter onírico y poético, acompañadas a menudo con texto.

Aprendiz del colectivo Slow Photo, su trabajo ha sido expuesto en museos, ferias y festivales de Bilbao, Barcelona, Madrid, Italia y Marruecos.

Forma parte de la Plataforma para la creación de un Centro Nacional de la Imagen, ha recibido una de las últimas Ayudas a la Creación otorgadas por VEGAP con la que ha empezado un nuevo proyecto en París y fue una de las artistas seleccionadas para las becas otorgadas por BBK Art(e)gileak con una propuesta basada en la fotografía participativa. 

Es una de las autoras que forma parte Misión Región, proyecto coordinado por el fotógrafo Paco Gómez que pretende retratar el patrimonio y paisaje de todos los municipios de la Comunidad de Madrid.

Ganadora en 2020 de la V Edición del Certamen Fotocanal organizado por la Comunidad de Madrid, ha publicado con Ediciones Anómalas Ícaro, seleccionado por PhotoEspaña como uno de los mejores fotolibros del año 2021 en Categoría Nacional.

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En El sol de mi largo invierno se unen dos trabajos conectados en su divergencia y en la libertad de soñar los lugares vividos. El círculo polar ártico y una isla. Un mundo sin límites visibles y un territorio acotado por acantilados. Los autores reclaman posar la mirada sobre estas tierras duras y su solidez del anclaje a la tierra.

Rosa Rodríguez en La línea blanca presenta un desierto de nieve, infinito, inhóspito e inasible. Jesús Labandeira Pastor en Agostar habita en una pequeña isla griega, agreste, rural, ardiente de soles.  

El latido del mundo de hielo y el de los soles de verano se unen en el anhelo común de retorno a la naturaleza, de comunión con el paisaje, de búsqueda de la inmensidad del silencio. La dignidad de crear frente a la soledad del cosmos, dejándose seducir por la aurora boreal o por el dominio de la soledad en una isla casi desierta ha hecho del vasto espacio su casa nido, un retiro meditativo.  Carmen Dalmau.

Jesús Labandeira Pastor

De profesión periodista, el cine documental y la literatura forman parte de su carrera.Durante más de una década trabaja en televisión. Cubre, entre otros eventos, el Mundial de Fútbol en Sudáfrica-2010. En la New York Film Academy realiza sus tres primeros cortometrajes en 16 mm. En 2016 co-dirige el documental ‘Nueve días sin Fidel’ presentado en el Macba de Barcelona y en el Festival ALCANCES de Cádiz. Película que narra el luto que vivió Cuba desde el mismo día en que fallece el comandante Fidel Castro. Acontecimiento que vivió en primera persona. Ha publicado relatos de ficción para ediciones del Museo CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo o PAN, Art Non linéaire de París. A partir 2018, viajar se convierte en su forma de vida, siempre con un cuaderno y una cámara. El mar Egeo y las islas griegas son las protagonistas de su trabajo fotográfico. Actualmente está en proceso de montaje de su segundo documental, ‘El último turista’; y a la espera de que se publique su primera novela, ‘Los acostumbrados’.

Rosa Rodríguez

Es una fotógrafa española interesada en las sociedades y tradiciones y su influencia en la humanidad. Rosa estudio fotografía avanzada en la Escuela de Arte y Diseño de Madrid así como un postgrado en Antropología Visual en la UNED. Actualmente, su trabajo se centra en las comunidades que mantienen un fuerte vinculo con la naturaleza en su forma de vida, y en poner de manifiesto necesidad de cuidar y conservar las areas naturales únicas de nuestro planeta. Por ello desde el año 2016, ha desarrollado su trabajo en el Artico, una de las zonas mas inhóspitas y amenazadas de nuestro planeta, conviviendo con Nenets, Samis e Inuits, pueblos que mantienen un fuerte vinculo con la naturaleza en su forma de vida.

Su fotolibro La linea Blanca ha sido expuesto en multitud de festivales y ha obtenido un gran reconocimiento tanto en los círculos fotográficos como fuera de ellos.

https://www.rosarodriguezsanchez.com

La entrada EL SOL DE MI LARGO INVIERNO. Rosa Rodríguez y Jesús Labandeira. aparece primero en Le Mur Gallery.

La Mañana serie fotográfica de Valery Katsuba representa el momento epicúreo por excelencia, de concentración, de curas y dedicación a uno mismo en la maneara hora (hora temprana), en contraste y frente a la exposición vertiginosa y acelerada del tiempo esperada hasta el crepúsculo. Un instante, la aurora, de intimidad y preservación del escrutinio público, de autoconocimiento e introspección, de toma de conciencia del propio cuerpo.

En la serie formada por dieciséis fotografías analógicas, se manifiestan ciudades y culturas continentales diferentes (Londres, Nueva York, San Petersburgo, Mallorca, Santiago de Chile, Ciudad de México, etc.), que evocan viajes a través de sus arquitecturas tanto corporales como contextuales. Sus lecturas e interpretaciones permiten construir recorridos a modus cinematográfico, desde escenografías en habitaciones de casas con enseres clásicos que comulgan con trazados lineales en diálogo, con pliegues de batas semiabiertas y telas que envuelven danzando sus composiciones sobre los cuerpos semidesnudos de sus protagonistas solitarios; hasta sumergirle detalladamente y sin pudor en los objetos personales de alcobas más privadas, humildes e íntimas…

Sebastià Mascaró, comisario

Valery Katsuba (1965 Bielorrusia, URSS). Su primera exposición tuvo lugar en la Casa de la Fotografía de Moscú (2000). Más tarde expuso en Círculo de Bellas Artes el proyecto Phiscultura (Madrid, 2006); en el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou (Paris, 2016), en el Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, 2017); en el Museo Nacional de San Carlos (Ciudad de México, 2019) y en el Museo Centro de Fotografía en Shanghái (2021) entre otras.
Su obras están en las colecciones internacionales como CA2M, Centro Nacional de las Artes Georges Pompidou, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando Centro de Fotografía de Shanghái. Actualmente vive en Madrid.

https://katsuba.es

La entrada LA MAÑANA. Valery Katsuba. aparece primero en Le Mur Gallery.