Durante ArtPhotoBCN 2026 presentamos el proyecto de Eva Casanueva: “Intento de brillar: Breve ensayo sobre el parecer exterior y el padecer interior”, una investigación visual desarrollada durante más de diez años en torno a la reconstrucción de la identidad, el duelo, la enfermedad y las potencias performativas de la imagen.
La obra de Eva Casanueva propone una mirada experimental al medio fotográfico. Su lenguaje fantasea con una posible dimensión mística de la imagen, entendida como talismán, oráculo o maleficio, y utiliza la fotografía como herramienta de mediación de conflictos emocionales.

En palabras de la propia artista: “mi obra es la afirmación de una feminidad concreta, compleja, vulnerable y fuerte que reclama su derecho al dolor, al placer, al miedo y al descaro.”

“Intento de brillar” busca un territorio habitable entre lo que se padece y lo que aparece: un espacio donde la imagen no solo acompaña la incertidumbre y el sufrimiento, sino que también actúa como afirmación de una identidad concreta, vulnerable y resistente.

Eva Casanueva (Madrid, 1983). Durante más de 15 años trabajó en EFTI, especializándose los últimos años en la Comunicación y la Gestión Cultural. También ha sido Coordinadora de Creadores de Imágenes en Madrid. Actualmente imparte sus propios talleres bajo el nombre de La Guarda y ha entrado a formar parte de la plataforma Cómo Ser Fotógrafa. Este año Eva Casanueva ha sido seleccionada en los Visionados de ArtPhotoBcn y Revela’t. También estará presente en el Festival Libros Mutantes de La Casa Encendida. Ha expuesto en La Kursala, en galería Cero y festivales como PhotoAlicante, además de participar en diferentes muestras en Instituciones como el Círculo de Bellas Artes, el Museo Nacional de Antropología, el Centro Cultural de España en Buenos Aires o La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. 

La entrada ArtPhotoBCN 2026. Eva Casanueva: «Intento de Brillar». aparece primero en Le Mur Gallery.

Antebi aborda el tema central de la práctica de Antebi, él de la hermosura del misterio del cosmos, que, como en un juego de espejos nos sugiere otra hermosura, la de la belleza del despertar de una edad, la adolescencia, donde luz y sombra se entrelazan al azar.

Con Eclipse estamos ante un trabajo introspectivo en el que la autora camina por el parque hasta extenuarse, buscando vaciarse, para así alcanzar el éxtasis contemplativo que nos remite a la experiencia místico-espiritual del creyente en el encuentro con Dios. Eclipse no plantea preguntas ni ofrece respuestas, solo pretende adentrarnos en una visión de la existencia donde se unen dos elementos: lo terrenal y lo celestial que nos lleva a la unión con el instante presente en su dimensión sagrada de lo infinito.

Eclipse, concebido originalmente como un fotolibro, encuentra en presente muestra una expansión conceptual. Lucia Antebi traslada al espacio físico dos aspectos claves de su praxis: el rigor técnico y la sensibilidad artística. Asimismo, como idea inicial de la exposición, junto a las obras enmarcadas, la fotógrafa presentará una serie de imágenes analógicas intervenidas de edición única, resaltando el carácter lento y procesual de su trabajo.

Biografia

Lucia Antebi proviene de familia judía por parte de padre y católica por parte de madre. Ambos progenitores abandonan sus religiones para poder estar juntos. Su madre ejerce como psicoanalista en la época de la represión y en 1980, cuando Lucía tiene tres años, la familia se ve obligada a exiliarse a Barcelona por el golpe de Estado. 

Conoce la fotografía en Illinois a la edad de diecisiete años, cursando su último grado académico en Estados Unidos, de ahí su gran pasión por la fotografía documental americana de finales de los setenta y principios de los ochenta. 

Más tarde, al regresar a Cataluña, finalizará sus estudios de fotografía en el Institut d’Estudis Fotogràfics de Catalunya (IEFC). Durante esta época obtiene dos becas: la Beca Ángel de Fotografía de la ciudad de Córdoba y la de la Escuela Internacional de Idiomas de Barcelona. Con ellas desarrolla sus primeros proyectos fotográficos y se centra en temas relacionados con la búsqueda de la identidad, el desnudo y los espacios públicos.  A los veintiséis años se muda de Barcelona a Madrid para seguir creciendo fotográficamente, empieza a trabajar para el mundo editorial y se especializa en moda y retrato editorial.

El arte fotográfico de Lucía Antebi se basa en la observación de la vida cotidiana, poniendo el acento en el comportamiento del ser humano y cómo se relaciona con el entorno que le rodea. Sus sitios preferidos para fotografiar son, los parques urbanos y las fiestas burguesas.

La entrada PHE25: «Eclipse», exposición de Lucia Antebi aparece primero en Le Mur Gallery.

«Intento de brillar» es un proyecto que se compone por una exposición y un fotólibro.

La muestra contiene 18 obras de diferentes formatos, desde 15 x 20 cm hasta 2 metros, y ofrece una mirada experimental al medio fotográfico. Las obras, impresas en lonas y suspendidas del techo, transforman el espacio, dividido en tres plantas, en un especie de laberinto que simula el recorrido por el proceso de reconstrucción de la identidad de la propia artista.

Dentro del programa de la exposición el público podrá disfrutar de un taller fotográfico impartido por Eva Casanueva, y una charla con la artista.

El libro, diseñado junto a Javi al Cuadrado, es el nº98 de la colección Cuadernos de la Kursala. Es un dispositivo con las imágenes insertas. Una colección de iconos y palabras, un juego de interpretación. Evoca en sus materiales a los cuadernos de viaje o los diarios.

Cómo define su trabajo la propia artista: “mi obra es la afirmación de una feminidad concreta, compleja, vulnerable y fuerte que reclama su derecho al dolor, al placer, al miedo y al descaro.”

A Eva Casanueva le interesan las potencias performativas de la imagen, la fotografía como herramienta de mediación de conflictos emocionales, así como los procesos creativos que se convierten en el lugar de pertenencia del artista. Su lenguaje fotográfico fantasea con una posible dimensión mística de la imagen donde esta pueda funcionar como talismán, oráculo o maleficio. 

“Intento de brillar” es una intención de encontrar un territorio habitable entre lo que se padece y lo que aparece. El proyecto fue desarrollado durante más de diez años como fruto de un proceso de duelo tras el diagnóstico de una enfermedad. La construcción de este cúmulo de imágenes operó no sólo como compañera de la incertidumbre y el sufrimiento, sino también como afirmación de una identidad concreta, compleja y vulnerable que reclama su derecho al dolor, al placer, al miedo y al descaro. Finalmente este ensayo visual se ha convertido en una exposición instaltiva y un fotolibro diseñado por Javi al Cuadrado.

Biografía de la artista

Eva Casanueva (Madrid, 1983).
@eva_casanueva

Durante más de 15 años trabajó en EFTI, especializándose los últimos años en la Comunicación y la Gestión Cultural. También ha sido Coordinadora de Creadores de Imágenes en Madrid. Actualmente imparte sus propios talleres bajo el nombre de La Guarda y ha entrado a formar parte de la plataforma Cómo Ser Fotógrafa. Este año Eva Casanueva ha sido seleccionada en los Visionados de ArtPhotoBcn y Revela’t. También estará presente en el Festival Libros Mutantes de La Casa Encendida.

Ha expuesto en La Kursala, en galería Cero y festivales como PhotoAlicante, además de participar en diferentes muestras en Instituciones como el Círculo de Bellas Artes, el Museo Nacional de Antropología, el Centro Cultural de España en Buenos Aires o La Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. 

La entrada Eva Casanueva: «Intento de brillar: Breve ensayo sobre el parecer exterior y el padecer interior» aparece primero en Le Mur Gallery.

Le Mur Photo Gallery se complace en anunciar la inauguración de “To Build a Book«, la nueva exposición del fotógrafo Carlos Chavarría. La exposición se inaugura el jueves 28 noviembre a las 19:00 y permanecerá disponible al público hasta el sábado, 11 enero 2025.

En esta exposición, Chavarría ofrece una mirada al proceso creativo detrás de la creación del fotolibro “To Build an Island«, explorando las etapas de concepción, desarrollo y edición que dieron forma al proyecto. La muestra se configura como una experiencia inmersiva, donde los visitantes podrán seguir el recorrido del artista desde los primeros bocetos hasta la secuencia narrativa final.

La galería se divide en dos espacios principales. En la planta superior, se exhiben imágenes del “Sketchbook VII5”, un cuaderno que sirvió como guía y ensayo visual del proyecto. Estas fotografías evocan la idea de la «isla-mito» y cuestionan su representación en la cultura popular a través de elementos relacionados con la exploración marítima. La instalación de la planta inferior refleja el proceso de edición del trabajo. Una versión ampliada de un moodboard donde las imágenes encontradas de Fannete Island, que inspiraron el proyecto, funcionan como base sobre la que empezar a construir la secuencia narrativa. Sobre estas imágenes en blanco y negro, se superponen tanto las imágenes en color tomadas por el artista en Treasure Island como otros materiales y elementos pertenecientes al proceso de edición e investigación previos a la creación del libro.

Sobre el artista

Carlos Chavarría (Madrid, 1985) es un fotógrafo reconocido internacionalmente que combina la fotografía vernácula con un enfoque artístico profundamente reflexivo. Tras cursar el Máster PHE en Fotografía y Proyectos Artísticos (2010), desarrolló su carrera en San Francisco, donde colaboró con instituciones como First Exposures y PIER 24 y fue profesor invitado en Red Hook Labs y la Universidad de Stanford. Su trabajo ha sido expuesto en espacios como SF Camerawork, The Centre for Fine Art Photography o Magenta Foundation. El libro “To Build an Island”, presentado en el marco de esta exposición, fue destacado como uno de los mejores libros de fotografía del año en PhotoEspaña 2024.

Actualmente, Chavarría reside en Madrid, donde alterna su práctica artística con encargos editoriales para publicaciones como “The New York Times Magazine” y “Le Monde”

La entrada «To Build a Book». Nueva exposición de Carlos Chavarría. 28/11/24 – 11/01/25 aparece primero en Le Mur Gallery.

Dirección: Calle Amaniel, 20, Madrid (Metro Noviciado)

El próximo jueves, 26 de septiembre, Santiago Farrell (@santiago.farrell) va a presentar su nuevo fotolibro «BASAMENTO» y una instalación efímera de algunas obras fotográficas de este proyecto.

Basamento es aquello que se coloca debajo de la caña de la columna y que comprende la basa y el pedestal (RAE). En otras palabras: lo que sostiene, apoya, cimienta o fundamenta un objeto o una idea.

Cuando hablamos de poder la acción es doble. El Poder (esa abstracción concreta que se siente en nuestros cuerpos y almas, que determina nuestra agencia) se manifiesta tanto en los materiales sobre los que se representa como en la forma que adoptan estos materiales.

La motivación que sustenta este fotolibro es principalmente preguntar qué hacemos con la Naturaleza cuando la vemos unilateralmente como fuente de recursos. Pueden los bloques de granito, las láminas de suelo o los pedestales, volver a formar parte de la roca primigenia? Hay naturaleza después de la cultura? Qué sucede con las canteras? Quién elige los materiales sobre los que se erigen nuestras ciudades? El libro no busca contestar, sino activar esas preguntas y otras que se pueden desplegar con la interacción de sus páginas e imágenes.

La entrada BASAMENTO. Presentación de fotolibro aparece primero en Le Mur Gallery.

En esta ocasión os presentamos la nueva exposición “Materia Prima” del fotógrafo Pavel Bukreev (Moscú, 1992). Es su primera exposición individual en España, se compone de 9 fotografías de gran formato, y 18 polaroids intervenidas. Estas imágenes abstractas, frutos del azar artístico, crean un relato entorno a la experimentación fotográfica. 

“Al fotografiar con una cámara instax, me di cuenta de que durante la fase de revelado, la película es muy susceptible al contacto físico. En el momento de creación de la fotografía, empecé a manipularla, con la curiosidad de un niño que juega con el fuego y el agua. Los reactivos del interior del film, al encontrarse con estos elementos, crean un patrón de diferentes formas en la superficie, y revelan colores inesperados.

Entonces me fascinó pensar de qué está formada la imagen y mirar dentro de las películas. Dividiéndolas en dos, descubrí cómo las metamorfosis que se producían en el anverso y en el interior de la imagen quedaban impresas aleatoriamente con tinta en la placa posterior. Luego, queriendo ampliar esta experiencia de experimentación cinematográfica, apliqué diferentes pigmentos y pinturas. Estos, extendiéndose sobre el grabado fotográfico, formaron sus propios patrones visuales, y dieron una dimensión adicional a la estructura. 

A través del proceso de la creatividad libre, busqué escapar de la narrativa y las formas predeterminadas, construyendo mi relación sensorial con este entorno. El juego con el material se percibe en esta serie como una forma de revelar la «vida» interior de un objeto determinado. En su tamaño original, el contenido de estos grabados no es totalmente visible para el ojo humano, lo que pone de relieve la esencia de las cosas que a menudo queda oculta. El uso de la tecnología de escaneado y la impresión en gran formato de las imágenes se entrecruzan con la idea de la naturaleza revelada, similar a la visión de los detalles a través de un microscopio. En el centro de esta obra se encuentra el impulso infantil y el intrigante interés por la investigación táctil del material fotográfico.”

(Statement de Pavel Bukreev)

Pavel Bukreev es un fotógrafo emergente, que desarrolla su práctica artística en torno a la experimentación sobre los procesos de creación de la fotografía analógica. Se graduó de Rodchenko School of Photography and Multimedia en Moscú (2018). Ha participado en exposiciones colectivas en Moscú y Belgrado (Ostavinska Gallery, 2019). Su primer fotolibro “Nibiru” (2019) fue seleccionado y expuesto en Rencontres d’Arles Photobook Exhibition, seleccionado entre los ganadores en Belfast Photo Festival, y expuesto en Athens Photo Festival Photobook Exhibition. Actualmente vive y trabaja en Barcelona.

Lista de precios

La entrada Materia Prima. Pavel Bukreev aparece primero en Le Mur Gallery.

Te traemos el trabajo del que, sin lugar a dudas, es uno de los fotógrafos más importantes, influyentes y representativos de la historia del skateboarding. Su trabajo está ya llamado a ser inmortal e influir en las nuevas generaciones.

Su catálogo visual es su legado. Basten unas palabras del propio Brittain para entender lo que ha supuesto y supone el mundo del skateboarding en su vida: “Llevo fotografiando monopatines desde 1979 hasta hoy y no veo el final a la vista”. Grant Brittain empezó a hacer fotos en el Skate Ranch de Del Mar en 1979, mientras trabajaba allí como obrero y, más tarde, como encargado de la tienda profesional. Había visto pasar por el skatepark a los mejores fotógrafos de los años 70.

Después de tomar prestada la cámara de su compañero de piso en febrero de 1979, se enganchó a la fotografía. Perfeccionó sus habilidades fotografiando a amigos patinando durante los años siguientes. En 1983 ayudó a fundar la revista Transworld Skateboarding Magazine, y muchas de sus fotos aparecieron en las portadas de TWS durante sus 20 años como fotógrafo jefe y editor fotográfico. Sus trabajos aparecieron en más de 60 portadas durante ese tiempo.

Sus fotos de skate han aparecido en revistas, libros y exposiciones fotográficas de todo el mundo. Quien asista podrá asistir en primera persona a un repaso por la historia del monopatín. Las fotografías están tomadas por alguien considerado, a día de hoy, como un dios dentro de la fotografía de skate. Por eso nos emociona tanto haber podido dar forma a esta muestra y nos alegra tanto poder contártelo.

No te la pierdas porque verás fotografías que te pondrán la piel de gallina. Para los apasionados de este mundo que hemos podido tenerlas delante, ha sido como cuando vas a un museo famoso a ver la obra de un pintor de renombre. Está ahí delante tuya, ese momento histórico que captó J. Grant Brittain  con su cámara, y tú puedes tocarlo, puedes tocar al skater, la rampa, puedes acariciar al pasado reciente y su magia.

Hasta 23 de diciembre 2023
Calle Amaniel, 20
M-V 16:30 – 20:30
S. 12-15 16-20

La entrada J. Grant Brittain «Casi 40 años de patín a través de su lente aparece primero en Le Mur Gallery.

En El sol de mi largo invierno se unen dos trabajos conectados en su divergencia y en la libertad de soñar los lugares vividos. El círculo polar ártico y una isla. Un mundo sin límites visibles y un territorio acotado por acantilados. Los autores reclaman posar la mirada sobre estas tierras duras y su solidez del anclaje a la tierra.

Rosa Rodríguez en La línea blanca presenta un desierto de nieve, infinito, inhóspito e inasible. Jesús Labandeira Pastor en Agostar habita en una pequeña isla griega, agreste, rural, ardiente de soles.  

El latido del mundo de hielo y el de los soles de verano se unen en el anhelo común de retorno a la naturaleza, de comunión con el paisaje, de búsqueda de la inmensidad del silencio. La dignidad de crear frente a la soledad del cosmos, dejándose seducir por la aurora boreal o por el dominio de la soledad en una isla casi desierta ha hecho del vasto espacio su casa nido, un retiro meditativo.  Carmen Dalmau.

Jesús Labandeira Pastor

De profesión periodista, el cine documental y la literatura forman parte de su carrera.Durante más de una década trabaja en televisión. Cubre, entre otros eventos, el Mundial de Fútbol en Sudáfrica-2010. En la New York Film Academy realiza sus tres primeros cortometrajes en 16 mm. En 2016 co-dirige el documental ‘Nueve días sin Fidel’ presentado en el Macba de Barcelona y en el Festival ALCANCES de Cádiz. Película que narra el luto que vivió Cuba desde el mismo día en que fallece el comandante Fidel Castro. Acontecimiento que vivió en primera persona. Ha publicado relatos de ficción para ediciones del Museo CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo o PAN, Art Non linéaire de París. A partir 2018, viajar se convierte en su forma de vida, siempre con un cuaderno y una cámara. El mar Egeo y las islas griegas son las protagonistas de su trabajo fotográfico. Actualmente está en proceso de montaje de su segundo documental, ‘El último turista’; y a la espera de que se publique su primera novela, ‘Los acostumbrados’.

Rosa Rodríguez

Es una fotógrafa española interesada en las sociedades y tradiciones y su influencia en la humanidad. Rosa estudio fotografía avanzada en la Escuela de Arte y Diseño de Madrid así como un postgrado en Antropología Visual en la UNED. Actualmente, su trabajo se centra en las comunidades que mantienen un fuerte vinculo con la naturaleza en su forma de vida, y en poner de manifiesto necesidad de cuidar y conservar las areas naturales únicas de nuestro planeta. Por ello desde el año 2016, ha desarrollado su trabajo en el Artico, una de las zonas mas inhóspitas y amenazadas de nuestro planeta, conviviendo con Nenets, Samis e Inuits, pueblos que mantienen un fuerte vinculo con la naturaleza en su forma de vida.

Su fotolibro La linea Blanca ha sido expuesto en multitud de festivales y ha obtenido un gran reconocimiento tanto en los círculos fotográficos como fuera de ellos.

https://www.rosarodriguezsanchez.com

La entrada EL SOL DE MI LARGO INVIERNO. Rosa Rodríguez y Jesús Labandeira. aparece primero en Le Mur Gallery.

Lo importante para comprender el territorio son no los estímulos absolutos de los objetos que los componen sino las relaciones topológicas, volumétricas y cromáticas que el sujeto establece entre tales estímulos.  y esas no las proporciona el concepto de paisaje. Y por eso he preferido la noción de “territorio” asociada a la de espacio, para organizar mis fotografías porque la de “paisaje” no puede acoger las sofisticadas y a veces terribles acciones humanas sobre la corteza terrestre. 

Las fotografías de esta exposición (y las de mi libro DÓNDE) no son paisajes al uso, sino una propuesta visual que invita a reflexionar sobre el incierto futuro de la frágil corteza terrestre que habitamos. Se hace necesario, pues, recuperar una noción de territorio que organice la complejidad geográfica, antropológica, e incluso política. 

Ramón Zabalza, Barcelona 1938. Licenciado en derecho (Madrid, 1960) y estudios de economía y antropología en Madrid y París (1961-1970). Empecé a fotografiar en 1973 y por si de estas líneas no se dedujera, me confieso amante de dos deidades secularmente y ad aeternum relacionadas entre sí: la realidad y la fotografía. El triángulo debió de empezar en los años setenta en el British Museum donde, fascinado por otras culturas, me amancebé con la primera. Pero fue en los ochenta cuando el flechazo de la fotografía reverdeció aquella temprana pasión y, surgió un ménage à trois. En aquella delicada geometría surgieron tensiones superadas hoy en esta exposición que, en los límites de la realidad canta la incierta frontera entre el espacio y el territorio. 

https://www.ramonzabalza.com

La entrada ESPACIO ATRAPADO. Ramón Zabalza. aparece primero en Le Mur Gallery.

«IN THE PIT Punk Rock Photography 1981-1991» nos trae una colección de fotografías seleccionadas por la propia Alison Braun, fotógrafa radicada en Los Ángeles cuyo principal interés ha sido inmortalizar y documentar la escena del punk rock y el heavy metal del sur de California. Cuando era adolescente, tuvo acceso privilegiado a las bandas a través de su trabajo como escritora y columnista de las revistas Maximum Rock ‘N’ Roll y Flipside. En total, ha fotografiado a más de 200 bandas en el intervalo comprendido entre la década de 1980 hasta principios de la de 1990. Esta exposición representa una selección de imágenes icónicas en apoyo a su fotolibro IN THE PIT publicado por NoPlan Records. Su trabajo se ha presentado en todo el mundo en varios medios impresos y discográficos. Su colección contiene algunos de los nombres más conocidos del punk rock, incluidos Dead Kennedys, Black Flag, GBH, Discharge, Bad Brains y The Ramones.

La historia de Alison es una historia de una mujer apasionada por la fotografía pero, sobre todo, apasionada por una escena y una subcultura, por una especie de inframundo maravilloso que ella ha sabido retratar como pocos. Su primera cámara, fue una Pentax K1000, regalo de su padre, aficionado a la fotografía que se preocupó en mostrarle a su hija las cualidades de la luz y la alquimia de las técnicas del cuarto oscuro. Viajaron al Parque Nacional de Yosemite y allí, entre las antiguas secuoyas y cascadas, la pequeña Alison sintió que quería convertirse en fotógrafa de paisajes, tuvo lo que podríamos calificar como una temprana revelación. Sin embargo, a los catorce, cambió la vasta y tranquila naturaleza salvaje por la energía pura del punk rock en clubes oscuros y llenos de gente. Descubrió a su tribu en Sunset Strip y la cámara fue el elemento que le permitió transformase en una suerte de testigo militante. Sus fotos de 1981 de Wasted Youth fueron las primeras de miles de imágenes que crearía, un documento personal de una época, un lugar y un sonido nuevo y explosivo. Prestó servicios de fotografía para Mystic Records, un pequeño sello independiente en Hollywood, y realizó entrevistas a bandas y reportajes para fanzines de punk rock locales, nacionales e internacionales, incluidos Maximum Rock’n’roll y We Got Power. Sus padres terminaron convirtiéndose en anfitriones reacios a los músicos de gira.

En colaboración con el festival MOMENTS – IX Festival Internacional de Cultura Independiente.

La entrada IN THE PIT. Alison Braun. aparece primero en Le Mur Gallery.